攝影的存在是相當微妙的；觀眾不會在影像表演中直接看到「攝影」本身，卻是透過攝影的視角去看表演，攝影其實就是影像表演的一環。至於攝影師是如何透過攝影機來「表演」的？短片實驗室邀請攝影師錢翔、關本良及韓允中，暢談他們的攝影經驗——最初是如何踏上攝影一途？攝影師的工作中，從前期的讀本勘景、現場的分鏡執行到後期的調光，他們又有什麼樣的心得？在攝影師的工作之外，又要如何自我增能？
曾為電影《藍色大門》、《20 30 40》與《總舖師》等電影掌鏡的資深攝影師錢翔，2010年首度擔任導演，其作品《歸・途》入圍第13屆台北電影節劇情長片，2013年在電影《迴光奏鳴曲》中身兼編導及攝影，影像工作經驗超過20年。錢翔笑說當年入行的契機其實是參加了由國家舉辦、類似「電影補習班」的影像工作坊，與錢翔同一期的還有林正盛、蕭雅全、陳玉勳。
然而攝影工作辛苦，怎麼能撐過20多年？錢翔謙稱自己沒有別的選擇，「一個地方待久了就是你的」。這句話說來容易，實際上是艱苦的，錢翔就形容曾經在六七月的炎夏中，因為工作熱到汗濕，甚至長出鹽巴來。
來自香港的關本良，1997年因拍攝關錦鵬導演《念你如昔》而入行，20多年來攝影作品豐富精彩，包含《渺渺》、《男人四十》、《花樣年華》、《2046》及《我的藍莓夜》等，2009年以紀錄片導演的身份，推出作品《乘著光影旅行》，入圍金馬獎最佳紀錄片，並以該片獲得台北電影節百萬首獎、最佳紀錄片與最佳剪輯。
關本良是香港演藝學院出身，他談到畢業時身邊許多同學想去拍電影，但他當時並不執著一定要拍電影，而是什麼案子都接，從平面照、藝術照、廣告、地下樂團的錄像他都拍。
「我亂亂拍，什麼都玩，沒去分高低、沒有覺得電影最好。畢業八年後，有一天，關錦鵬導演看到我拍的廣告，就找我去拍電影。」
這些「亂亂拍」的經驗，反倒造就了他進入電影的機緣——關錦鵬導演看到了關本良的廣告作品，找他來拍電影。而關本良因為過去拍了很多不同類型的東西，讓他對於影像有不同的理解。保有熱情更是重要的，關本良直言拍電影每天都必須解決許多人事、環境的問題，如果沒有懷抱熱情，並試圖解決問題，那是很難撐下去的。
相比錢翔和關本良都曾經歷過一段學院或工作坊的時期，韓允中則是從師徒制打磨出來的例子。
原本學機械、當工程師的韓允中，因為朋友在攝影器材公司工作，聽了覺得很好玩的韓允中，一時好奇就前去應徵，開始了24小時住在公司的生活。他從助理當起，就這樣一邊搬箱子一邊學習了兩年，直到有一次廣告案出班卻沒請攝影師，韓允中這位助理突然被「黃袍加身」，一肩扛起攝影組，過去在場邊觀察的經驗立刻派上用場。
雖然第一次當攝影師的經驗很卡，但這樣的「失敗經驗」讓韓允中理解攝影師和助理不同，並且開始調整自己。
進入產業三年三個月後，韓允中真的出師，開始接案子當freelancer。此時，他遇上了扭轉命運的一刻，推他進入電影圈。
那天韓允中帶著感冒的女兒去醫院，巧遇攝影師陳懷恩，陳懷恩一見到韓允中，立刻問他想不想拍電影。原來，當時陳懷恩是侯孝賢《好男好女》的攝影師，但那時陳懷恩被醫師宣判眼睛可能會瞎掉，必須開刀休養，侯孝賢就請陳懷恩「找一雙眼睛來」。
這雙眼睛就是韓允中，後來拍出《好男好女》、《南國再見，南國》、《國道封閉》、《這裡是香格里拉》的韓允中。
「我是因為那個眼科醫生而進入這一行。」韓允中這麼形容。
這段醫院奇遇的故事結尾，是陳懷恩後來發現眼科醫師對每個人都說會瞎掉，害他白擔心一場，而當時韓允中已經在拍攝《南國再見，南國》。
雖說是奇遇，但韓允中回想起來，認為他在前幾年努力鑽研攝影與燈光的技術，都是這段奇遇的「預備」。因為後來與侯導拍片時，韓允中是沒辦法問這些問題的，過去的技術養成，才讓他在機會來臨的時候能大步走過去。
在電影產業中持續戰鬥的人都明白，攝影師的工作，絕對不只是現場扛著攝影機而已。包含前期的讀劇本、勘景，以及與導演的溝通，都是攝影工作開始前，非常重要的準備。
「攝影師不只是一個執行拍攝的工具人，他是在整個表演中看不見的演員。」錢翔表示。
錢翔說他會想辦法找到自己的方式來敘述，用影像引導著觀眾去看這個故事，攝影師就是一個詮釋者。因此，在與導演合作時，他一定會先熟讀劇本，接著還會大量提問：
「我的第一個問題一定是：這是一個關於什麼的故事？我很在乎這件事情。這是一個什麼角色？這個角色關心的是什麼？目的是什麼？處在一個什麼樣的環境？他是一個什麼樣的人？我怎麼切進他、靠近他、我怎麼觀看這個人？我們要用什麼樣的態度來看他？這是關於他的情感，還是他與他人之間的關係？」
關本良也認同必須回到故事的本質：「如果一開始你就開始在想要怎麼打燈，那就不是創作。而是先對故事有感覺，再用技術表達。」
他認為一部好電影，都能用一個單詞或一句話來代表，所有的努力都是為了服務那句話。先抓出那句話是什麼，攝影師再來執行「搭橋」的工作——從那句話落實到影像，會有一個差距，這之間的橋梁就是由攝影師搭出來，找到適合的技術，將抽象的概念具體化，看在這個環境、這樣的敘事脈絡中行不行得通。
錢翔舉例，從勘景這件事來看，勘景必須注意演員的動線、攝影的角度等，但他覺得最重要的是，這個景可以給出什麼樣的可能性——除了原來所想像的拍法之外，還能有什麼新的角度。
「我們在攝影裡頭，底片就是限制，光圈就是限制，在這些限制中找到那些可能性。場景也是一樣，場景有360度，有很多可能的角度，不要懶惰說這樣就好，你要多走、多呼吸，經過你自己的消化後，你怎麼看這個場景。」
攝影師作為橋樑，所需具備的就是技術能力和溝通能力。韓允中強調在談形而上的問題之前，必須先將技術的馬步紮穩。而與導演的溝通，他則是走「以和為貴」的路線。
他提到有一次加入拍攝團隊時已經勘景結束了，而當他到主場景時發現空間是狹長型的，「怎麼辦？你不能戳別人的弱點」，於是開拍前韓允中約導演去逛器材公司，一邊介紹器材，一邊不經意提到主場景太窄可能會放不下，經過這樣婉轉的說明，導演就能理解韓允中的意思了。
「你不能直接跟導演說我反對，導演會說反對無效，你要花一點時間去說服。」韓允中在工作上盡量保持這樣的態度。
對關本良而言，「互相尊重」是最重要的。而且不只是導演與攝影之間，攝影組與其他組也是同樣的。
「拍電影就是一個群組，是一個能量，如果沒有同步的話，會有一個阻抗的力量，會拍得很辛苦。要怎麼跟人合作、怎麼樣是安全的，這些比用什麼方法去拍攝更重要。例如資源，因為你如果多拿一個資源，等於其他組就少了一個資源，所有人都在同一個合作的關係裡面。」
錢翔也堅信團隊的重要性：「你的思考並不是『我攝影』，而是『我們』。拍片這件事很像碟仙，三指手指頭放在上面，拍片大概是八隻。你沒有辦法預期會拍出什麼，因為有太多力氣壓在上面，它就會走出一個他自己的路。拍電影最好玩的是，是電影在帶著你走，我覺得那大概就是team work的力量。已經沒有打架的感覺，而是我怎麼在這上面加分，在那個碟子上加分。」
對外講求尊重與互助，對攝影組組內，錢翔、關本良、韓允中都秉持著信任與承擔的精神。錢翔對於攝影助理是給予很大的信賴的，「因為我不可能同時做那麼多事」，加上燈光攝影組內的成員通常都是有經驗，彼此之間也有良好的默契。
關本良與韓允中都點出攝影師是整個組內負責承擔一切的角色，因此當組內的助理造成問題，身為攝影師應該要先去道歉，私底下再指導助理。韓允中認為攝影師將責任扛下，助理才能在工作中有安全感，因而能順利執行工作。
溝通能力的應用，最實際的例子之一就是攝影與導演之間對於「分鏡」的溝通。韓允中認為分鏡主要是由「說故事的人」來決定，也就是導演，韓允中希望導演坐上剪接台時是可以開心地為所欲為，不過，若有機會表現，他也會把握。
關於分鏡，關本良有一次很特別的拍攝經驗。當時已經開機了，結果攝影機的monitor壞掉，無法顯示影像，當時導演不知道，演員也繼續演，於是關本良只能憑感覺拍下去。拍完後關本良到導演的monitor看，導演覺得ok，關本良也很驚喜這次的構圖。
關本良形容這次經驗是「到最後就放掉一切」，整個拍攝是自然形成的，讓他感受到攝影的模式是有無限可能性的。
錢翔回應，如果只能遵循分鏡表走，一切就只是跟著相機的構圖走：
「分鏡是幹嘛用的？分鏡最好用的就是，讓大家偷偷看見那個神秘主義那個導演在做什麼？明天早上要拍多少東西？我晚上可不可以回家吃飯？導演用分鏡圖讓製片組知道今天要花多少錢、讓所有工作人員知道要做什麼事，這是分鏡表的很好的功能。」
「但分鏡表不是死的，前提是回到源頭究竟要講什麼。每一顆鏡頭都在講那個形容詞，你可以用一百種分鏡去講一個故事，就跟寫作文一樣，有很多不一樣的可能。攝影師可以提供導演其他的選項，告訴導演這樣拍可能會更好，但我覺得真正的影像創作還是在導演身上。」
關本良也表示，對廣告拍攝來說，分鏡表是很重要的依據，因為「準備好」是非常重要的。但若是創作，最好的往往是當下那個時空下的作用，尤其亞洲區拍片並不像好萊塢有那麼多預算，這時現場捕捉的火花，是會讓人很興奮的。
科技的演進也改變了拍攝的形式，關本良就舉例電腦讓拍攝現場可以即時看到分鏡表，讓拍攝效率提高。此外，「調光」技術的演進，確實讓影像有更多可能性，然而關本良認為，有太多人迷信後期技術，認為什麼都可以調，因而在現場拍攝時就懈怠了——
「後期效果沒辦法事先知道，所以你要知道什麼是可以調出來的，什麼不行。很多顏色不是不可以，但出來就會很假，看你要不要那個假。只要可以在現場先做到的，我會盡量做，至少可以看到60%到70%，導演也可以比較投入那個想像，大家可以比較同步。」
他認為這樣才是整個團隊一起投入、一起創作的過程。
除了工作經驗的累積，攝影師有沒有其他進步的方法？韓允中就提到最近正在拍攝以鄭問為主角的影片，當中有一段是弟子詢問鄭問，怎麼樣可以畫得像鄭問那樣，鄭問回答：「當你畫了十萬雙眼睛，你就可以像我這樣。」
錢翔則以棒球為例，他說美國職棒選手打出了全壘打，就丟下棒子慢慢走，而不會急著向前跑。這是因為在他打下去的那一刻，他就知道是全壘打了，有一個「甜蜜點」（sweet point）的瞬間。錢翔覺得攝影也是這樣：
「攝影有一百萬種可能性，但它會有一個甜蜜點框在那裡，是你心中會被震動的霎那，我會尋找那個點。經過這麼多年的累積訓練鍛鍊，你的database會告訴你，你抓到了。」
而練習的內容除了技術的部分之外，韓允中認為應該要先培養鑑賞力，因為「如果沒有鑑賞力，你甚至不知道自己拍得好不好」。錢翔則提醒，可以去認識不同時代的構圖與色彩，「例如文藝復興時期，你要知道文藝復興是在乎每個細節，你要知道框框裡面，曾經有一段時期是每個元素被在乎的。你只要多想這一秒，你的構圖就會不一樣。」。
最後，很現實地談到得獎與否的問題，錢翔從過去的評審經驗中歸納，攝影想要得獎，有三個基本條件：
一、基本技術是對的
二、語言上的創新部分
三、影像上的情感傳達
關本良補充，得獎這件事，不同的人看的事物都不一樣，而且時代一直在改變，沒有一個準則。唯一的準則，是這部片想說的話跟「你的鏡頭」，是不是能讓人有「對！就是這樣」的感覺。
錢翔則回到最初的主張——攝影是表演中看不見的演員，因此，作為一個演員，是不是能用自己的技術和創意，帶給人感動？
