對焦之外：廖敬堯的攝影人生與創作哲學
活動日期：2025.07.12
講師：廖敬堯 攝影指導
文字紀錄：黃詩容
在電影短片工作坊的講座中，廖敬堯攝影師用兩個半小時，帶領學員穿越二十餘年的攝影歷程。上半場，他回顧了自己的職涯起點與重要轉折；下半場，則以具體作品為例，剖析影像背後的思考與技術，並分享面對挑戰時的心法。
這場分享不只是攝影技術的拆解課，更像是一封來自前輩的手寫信——談勇氣、談突破、談合作，也談那些難以避免的低潮與不安。
從山路開始
「我們能力有限的情況下，選擇以其他方式來呈現，窮則變，變則通。」
1999 年，正值大四的廖敬堯，一邊拍自己的畢業作品，一邊擔任沈可尚導演《與山》的攝影。那是一段資源極度匱乏的時光——沒有足夠人手，器材也有限。然而，一行6人也沒有屈就資源不足的狀況，反而利用手邊現有資源來完成需要的影像效果。
回憶當年拍攝需要一段平穩的向前推鏡，但在山裡沒有滑軌，也無法搬運大型器材。廖敬堯於是從家中倉庫找出一台遙控汽車，改裝成底座，架上 16mm SR3 底片攝影機，創造出替代的運動效果。這份靈活與執著，成了他日後攝影創作的底色。
《與山》最終不僅完成，還成功入圍坎城影展短片競賽，並獲金馬獎最佳創作短片。背後的故事，卻是一群年輕人用土法煉鋼實現的影像夢。
模糊時刻與自我懷疑
看似令人稱羨、光鮮亮麗的攝影職涯開場，廖敬堯同時也大方提起自己在攝影道路上也曾經歷那些鮮少向人提及的黑暗、低落時刻。
2008 年，與張盈慧（現名張靖野）導演合作的 35mm 底片短片《隧道》獲得柯達學生電影攝影獎。但對廖敬堯來說，這同時也是一段壓力巨大的拍攝經驗——第一次掌鏡 35mm，身邊存在有人質疑的聲音外，自己也產生出自我懷疑的想法。儘管在過程中曾感到不安、受挫，但並沒有選擇逃避與退縮，而是勇敢地接受挑戰，最終用作品回應了當初質疑的一切。
他也毫不避諱談論自己在攝影拍攝當下遇到的難題與造成遺憾的效果。在2011 年拍攝洪伯豪導演的《畢業旅行》時，被寄予的厚望及任務為嘗試用小型攝影機營造「呼吸感」，但在當時卻未能解決手持穩定的問題而產生影像上的遺憾。直至近期，在拍攝王智祥導演《原來海上沒有島》中，這一次器材已非限制，但複雜的場面調度與為達呼吸感的效果而不使用穩定器的決定，對廖敬堯攝影師來說也是一大挑戰。
至今，他也謙虛表示自己對於玄妙的「呼吸感」一詞還在努力學習探索中。這些不完美的經驗，成了他作品中不可或缺的養分。
人際溝通是必修課之一
「劇組是一個團隊，不是單打獨鬥的地方。」
廖敬堯表示一個專業且負責任的攝影師必須要讓導演、演員以及其他工作人員了解自己的想法，而不是獨自在一旁安靜拍攝，讓所有工作人員配合自己的決定做事，也對於鏡頭的走向感到未知，而這樣的溝通是單向且不負責任的。
他特別提到過去的自己，因較不善於表達自己內心的想法以及一心想要完善作品，則忽略了在人際交流上需要注意的地方，進而產生工作人員間容易出現溝通不當的狀況。然而，隨著透過旁人的提醒以及自身的意識，他也逐漸發現與瞭解除了作品本身為工作外，在職場的人際互動交流也是工作專業上不可缺的一部分。因此他特別感謝過去的經歷，讓他能夠成長蛻變，成為一個除了有技術的專業精進外，更成為有厚度與溫暖的人。
他也分享之前有一陣子在拍攝時的狀況——當導演或是劇組人員會傾向給予他極大的創作空間時，面臨到較少交流與建議時，等同於畫面的決定權在自己的身上，對他而言是會感受到孤單且壓力的。因此廖敬堯藉此來鼓勵導演或是其他工作人員，可以多多和攝影師交流自己的想法，彼此一起將共創的頻道拉得越來越近，才能讓作品走向共鳴。
找到作品的
“Money Shot”
「身為攝影師或導演，一定要幫作品找到一個 money
shot，觀眾看完整部作品會記得那個畫面。」
這個關鍵畫面，是當所有其他片段都消失時，仍能單獨說明故事、直擊觀眾情感的瞬間。他鼓勵學員用感受力去尋找，讓作品擁有能被記住的靈魂。
所謂的Ｍoney Shot 指的是當所有其他畫面片段都消失時，只要利用這個畫面也可以單獨完整說明故事。廖敬堯強調學員們在拍攝各種類型的片，都可以試著學習去找出Money Shot，利用自身的感受力去尋思到底要為片子留下什麼樣的畫面，什麼樣的影像能夠富有強烈的情感渲染力以及完整的敘事性，讓作品擁有能被記住的靈魂。
跳脫舒適圈 拓展眼界
「不管是拍攝劇情片還是紀錄片，我的習慣是不要把油壓頭鎖死之外，也不要死盯著畫面，必須要注意到畫面外有什麼東西正在發生。」除了劇情片，廖敬堯在紀錄片與 VR 實拍中找到了新的視角。
2015年關於舞蹈紀錄片《行者》中，廖敬堯發現一個攝影師如何構圖跟一個編舞家如何去形塑一個黑盒子裡面觀眾所看到的樣子，這兩者的狀況是很相近的，再加上舞劇大部分是慢節奏，更加考驗視覺與構圖，廖敬堯攝影師從這次的拍攝發現不同領域思考事情的角度之不同。
在2018年參與了相對少人接觸的VR實拍— 陳芯宜導演執導的《留給未來的殘影》，其工作內容在於調度現場的燈光去創作一個有氛圍的場景。然而，相對於劇情片，VR實拍的一顆鏡頭準備可以花費半天的時間，從劇情片碎片化的節奏到絕對性的緩慢。廖敬堯認為此次VR實拍的經驗讓自己在如此快速的時代，對於自己以及影像處理有了喘息空間，不至於在現今快速的影像處理上迷失了方向。因此，他也建議大家可以接觸不同性質的拍攝內容，不僅幫助自己開拓眼界外，也或許能夠意外獲得一些看待事物的新視角。
突破、創新－ 不被
AI 取代的影像
廖敬堯透過自己的紀錄片作品片段為例，來鼓勵學員們在拍攝時不要總是依循原本要拍攝的畫面而拍攝，應該要去觀察演員的表演以及畫面外的狀況，除了培養自己的觀察敏銳度，同時也許能夠藉此獲得到影像上的意外驚喜。在課程最後的提問環節中，他也非常鼓勵學員們擺脫傳統式的影像拍攝，希望學員們能夠在創作設計的過程中激盪出不同的火花。
講座尾聲，廖敬堯拋出了一個引人深思的問題：「什麼樣的攝影不會被 AI 取代？」又或者更具體地說：「我們所產出的影像，是否能被取代？」藉此引導學員反思創作的本質與價值，也呼應他在攝影創作中一貫秉持的核心理念——創新。透過這場毫無保留的經驗分享，學員不僅得以一窺前輩在創作旅程中所面臨的挑戰與選擇，更收穫了許多實用而深刻的建議，為未來的創作與成長奠定了寶貴的養分。
這場分享，讓學員看見了一位攝影師如何在光影與現實間穿梭——有不安、有突破，也有溫暖的合作與成長。正如他所說：「當別人這麼做的時候，有時候我們可以選擇不要做，試著去突破、創新。」
