動畫不是類型，而是一種媒介：
連俊傑導演的創作思維與產業觀察
活動日期：2025.08.09
講師：連俊傑
動畫導演
文字紀錄：陳妤瑄
在台灣動畫領域裡，連俊傑導演是一位跨足廣告、設計與原創動畫的多面向創作者。從中原大學土木系畢業後，他進入奧美廣告工作，打下紮實的視覺與企劃基礎；其後赴美深造，累積多媒體設計、電視台包裝與電影片頭的經驗。2004年因父親過世返台，成立「連想創意」，最初仍以商業廣告為主，直到2017年正式將重心轉向原創動畫。這樣的轉折，源自他高中時期初見迪士尼《幻想曲》的震撼。多年迂迴，最終回到那份最初的感動，他希望透過動畫創作帶來正能量與社會意義。
確定目標觀眾：先考慮自己，還是面向大眾？
連俊傑導演說到，創作短片的動機通常有幾種：
第一，藝術表達——
創作者的個人情感與風格展現。
第二，思想交流——
藉由影像引發社會討論。
第三，說故事的練習——
鍛鍊敘事結構與影像表現。
第四，提案的原型——
作為後續長片或影集開發的雛形。
他舉皮克斯的案例為例。皮克斯原本是研發渲染軟體的公司，動畫師在軟體實驗中創作短片，意外催生了《Toy
Story》，最終讓公司轉型為全球知名的動畫工作室。這顯示短片不僅能測試技術，也能孕育全新的產業模式。他指出，這段歷程同時展現了短片的另一功能——技術實驗。皮克斯當時並非僅測試
3D 技術極限，而是在實驗中融入故事，最終衍生全新商業模式。
「創作短片時，我們是否需要在意目標觀眾？」他的觀點是，從自己到大眾，都可以是目標觀眾。如果作品至為自己而拍，那首先要滿足的就是自己；但只要觀眾超過一人，就必須與他人溝通。他提到新海誠導演的第一部作品《她和她的貓》，其實是為了女朋友而創作。正好印證了創作者一定會有其特定的目標觀眾。連俊傑導演，明確設定觀眾會直接影響作品的規格、籌資模式與製作流程。
他認為要將目標觀眾放在心上，因為你決定了目標觀眾，就會直接影響作品的規格、籌資方向與金額，以及後續的製作模式。他以「開船」比喻創作規模，來解釋不同創作規模的差異：「獨木舟式」的創作：就如同個人作品，例如學生短片或即興影像。這類型的作品沒有太多包袱，自由度極高，不需要與他人溝通協調，創作者可以隨時決定作品的方向與目的地。至中型的「雙人遊艇」式創作，則是中小規模團隊，有基礎分工，需要協調。至於更大型的「郵輪」，就會是大型商業製作，動員龐大資源，必須有嚴密的計畫與組織，相對需要更多人力、資源與組織運作，牽涉更多協調、安排甚至妥協，創作變成是一個更有機的過程，如何透過跟不同人才的碰撞，最後可以磨合出可能跟原來的想像不完全一樣，但更好的一件作品，會是作為扮演領航員角色的導演重要的課題。
導演究竟要做什麼？
「導演最核心的任務之一，是如何將劇本轉化為具體的視覺表現。」
連俊傑指出，電影本質上是一種視覺媒介，導演必須具備足夠的想像力，要能夠把文字轉換成吸引人的影像。但除了想像力之外，導演還需要強大的溝通能力，能夠清楚傳達腦中所想，讓團隊理解並執行。此外，還要有整合不同部門的能力，能跨部門協調將各種不同專業融合成完整作品，最終把故事完整地呈現出來。並且要有敏銳度，這是對於角色設計、觀眾感受與視覺訊號的高度覺察，這些都是導演應具備的重要素養。
實拍、動畫是否能兼顧？
連俊傑導演提出，動畫並非一種獨立類型，而是一種「媒材」，一種創作工具，我們可以使用動畫去拍各種類型的作品，如喜劇、驚悚、劇情、科幻等，因此他認為動畫不是一種類型，而是一種表現媒介。
他特別強調，無論是動畫導演還是實拍導演，在本質上其實並沒有絕對的區隔。兩者都是透過「視覺」來說故事，必須將文字轉化為視覺，無論是分鏡設計、鏡頭掌握或剪接邏輯，其實概念是一致的。此外，他們都需要具備清晰的表達與協調能力，能夠讓團隊理解並執行導演腦中的想法。同時在創作需求與現實資源之間取得平衡。唯一最大的差異主要在於「演員」。實拍導演指導真實演員在現場進行即時的表演指導與互動，而動畫導演要指導的角色「演員」其實是動畫師，動畫導演需要與動畫師去溝通決定角色如何動作、如何表演。
這樣的思維延伸到跨界案例：《神鬼奇航》的導演Gregor
Verbinski為例，他也曾執導動畫片《飆風雷哥》拿下奧斯卡獎項；《超人特工隊》導演Phillip Bradley Bird，同樣也曾跨足實拍，並執導《不可能的任務：鬼影行動》。這些案例都可以證明動畫導演與實拍導演之間並非壁壘分明，而是可以相互轉換的。
獨立製作與商業製作：兩種動畫之路
連俊傑導演以
新海誠 與 Bill Plympton 作為對照。日本動畫導演新海誠的創作歷程，他的歷程是從自主製作開始，然後一步步走到大型的商業製作。他的第一部作品《她和她的貓》是在遊戲公司上班之餘，完全由他一人用蘋果電腦完成，帶有強烈私人色彩，透過畫面與旁白營造出獨特風格，也奠定了後來的「新海誠風格」。之後的《星之聲》則是因前作受到關注而獲得機會製作的商業短片，雖然仍是他一人獨立完成，但放映時大受歡迎，甚至在東京劇院首映就大排長龍，並在網路上引發討論，讓他正式被認可為導演。
隨後新海誠開始投入長片創作，歷經多次嘗試，直到2016年的《你的名字》才真正躍升國際舞台，票房突破100億日圓，全球總票房達3.8億美元。這部作品首次採用「製作委員會」模式，導演必須與投資方及製作團隊密切合作，規模從早期的3人核心團隊，擴展至20人核心、150人總製作規模。即便如此，新海誠還是保有個人創作的空間，可是他毫無疑問已經是一個「領航員」的角色。他會考慮到市場，雖然不能說他完全是為市場而創作，但他確實有市場的概念，也懂得和別人配合，不是那種完全堅持自我、不願妥協的導演。
與新海誠有著天壤之別的是美國獨立動畫導演Bill
Plympton。Bill Plympton的創作能量極為驚人，目前已完成超過五十部短片、八部長片，並兩度入圍奧斯卡。他的風格鮮明，偏向喜劇、誇張與荒誕，時常展現「只有動畫能做到」的表現方式，因此辨識度極高。特別的是他始終維持獨立創作。Bill
Plympton的一部長片預算僅約四十萬美金（約新台幣一千四百萬元），在動畫長片領域屬於極低成本，但票房僅有十二萬七千美金，嚴格來說是賠本的。然而，因幾乎全由他一人完成，成本得以大幅壓低。他曾嘗試與不同動畫師合作，但因個人風格過於強烈，最終無法持續。儘管如此，他仍持續穩定創作。作品《Cheatin’》便是靠群募籌得十萬美元完成，並獲得不錯迴響。他還出版《Make
Toons》，分享獨特的成本管控方法。連俊傑導演十分佩服Bill Plympton能在獨立創作中維持產量並靠作品生活，同時也與新海誠走向大型商業製作的路徑形成鮮明對比。兩者展現了截然不同的動畫之路：新海誠走向一條是大型商業化的國際市場；Bill
Plympton走向另一條則是獨立創作、保持純粹的作者風格。
吉卜力的兩極：宮崎駿與高畑勳
連俊傑導演也談到吉卜力工作室的兩大支柱——高畑勳及宮崎駿。一個被稱為「寫實的高畑」，一個被稱為「奇幻的宮崎」。兩人在風格與性格上形成鮮明對比。宮崎駿思維敏捷、充滿想像力，高畑勳則進度緩慢、嚴謹細膩，但兩人皆是吉卜力重量級的存在。
值得注意的是，高畑勳本人其實不會畫畫，但他卻具備極其敏銳的眼光，即便不親手作畫，也能一眼看出原畫的問題，並且擅長與動畫師溝通，因此深受動畫師尊敬。高畑勳同時也是個完美主義者，在製作《兒時的點點滴滴》時，他親自進行紅花染料產業的田調，甚至能達到學術研究的水準。
相較之下，宮崎駿則是另一種極端。他的作品一開始就明確意識到「要讓觀眾得到娛樂，才能證明自己的價值」。因此，早期作品多半觀眾導向，但直到1990年的《紅豬》，他開始逐漸擺脫這個束縛，作品中融入更多自我，甚至保留謎團，不再追求結構的絕對清晰。特別是《蒼鷺與少年》，劇情架構對一般觀眾來說並不容易消化，但如果理解宮崎駿的背景與人生經驗，就會發現這是一部高度自傳式的電影。這樣的任性與自由，只有當導演達到國際級的高度，才可能獲得觀眾與市場的寬容。
如此高畑勳及宮崎駿這兩人的對比說明，更是只有當導演達到足夠高度，觀眾與市場才會容忍作品的任性與自由。
台灣動畫的挑戰與希望：謝文明的獨立創作之路
談到台灣動畫現況，連俊傑導演特別分享近年備受矚目的台灣動畫導演——謝文明。他是台灣動畫史上第一位入選威尼斯影展的導演，最新作品剛剛入選第
82 屆威尼斯影展，其中短片《夜車》更被《紐約客》收錄，謝文明導演的短片作品不僅被國內多個串流平台收錄，跟獲《紐約客》邀約收錄，但與動畫的龐大製作成本相比，授權費還是遠遠不足以平衡
謝文明導演一路以來始終重視創意與個人風格。他曾短暫在動畫公司任職，但僅僅兩個禮拜便決定離開，因為他意識到那並不是自己想走的道路。於是他選擇堅持個人創作，逐步累積作品與聲譽。謝文明的早期作品《夜車》大部分由他獨立完成，展現強烈的個人特色。雖然維持獨立創作相當辛苦，但他憑藉補助與得獎的能見度，吸引到更多支持與資源。
在與楊凡合作《繼園臺七號》時，謝文明導演首次見識跨國團隊合作的力量，並從中學習到更多製作方法。這些經驗讓他在新作品《螳螂》中開始嘗試與更多人合作，包含四位核心動畫師與一位美術。除了原創作品，他也承接部分委託案，但條件是能保留相當的創作空間。例如楊力州的紀錄片《他們在島嶼寫作》裡的動畫段落，以及電影《陽光普照》中的一小段動畫，都由他完成，並清楚展現個人風格。
從土木系到廣告、再到動畫導演，連俊傑導演的經歷正是一種跨域累積。他強調：每一次嘗試，最終都會成為日後的養分。短片既是藝術實驗，也是市場試煉。動畫不只是類型，而是一種媒介，可以連結不同敘事與表現方式。
在講座最後，連俊傑導演指出，台灣的動畫要做到與美日競爭，還有一條很長的路，但正因如此更需要持續累積。這過程對他來說很累，卻也很開心，他提醒創作者：確定觀眾、選擇船的大小、面對現實與市場，這些都將決定作品能走多遠。動畫創作者需要找到自己的定位，堅守初心，同時保持開放，才能在未來找到屬於自己的舞台。並衷心希望大家能持續創作，即使過程艱辛，也要保持熱情，因為唯有持續創作，才能真正進入產業、推動前進。
