從自我經驗到普世情感：
李念修
× 許承傑的創作心路與影像思索
活動日期：2025.09.13
講師：主持人 黃薇夏 製作人/ 李念修 導演/ 許承傑 導演
文字紀錄：黃詩容
「在創作的起點，我們往往從『自己』出發。」
這場講座由製作人黃薇夏主持與開場，邀請到兩位導演——李念修與許承傑。他們皆以自身生活與情感記憶為養分，轉化成具備厚度與共鳴的影像作品。這些作品不僅為觀眾留下深刻印象，更揭示了創作如何成為一種「自我療癒」的過程。從第一部短片的誕生契機、與資深演員合作的挑戰，到如何從個人經驗走向普世情感，再到表演中聲音細節的掌握與導戲方法的探索，兩位導演毫不保留地分享了他們一路走來的心路歷程與創作省思。
1.如何開始自己的短片創作，是在什麼樣的契機下？
許承傑導演提到，短片《孤味》的誕生契機，源於他當時正在準備研究所的畢業製作。其實當時手上有多個題材內容，但最終仍選擇將外婆離世的悲傷情緒轉換為故事原型。如此的以自身經驗來作為故事題材，這不僅是一次創作的開始，亦成為自我治癒的道路，透過這短片的影像，重新與失落對話。
李念修導演在大學時期就立志成為剪輯師，並坦言不曾想過成為導演。然而，在十餘年的剪輯工作後，她迎來第一支紀錄片長片導演的身份，拍攝了第一部紀錄片長片《河北
2.故事從真實的經驗裡面去出發，但在寫這個劇本的時候有做哪些改變呢？
許承傑導演表示，短片《孤味》除了外婆角色的設定較為貼近原型外，其他人物角色在編排與設計上，其實皆做了大幅度調整與改動。他不希望家人們在觀看作品時，認為角色強烈指涉到某位家庭成員。因此，在創作過程中，將家人曾經分享過的精彩故事進行分類整理，從中擷取提煉出靈感，進而藝術化的再創作。
在短片《講話沒有在聽》角色設計的處理上，李念修導演重新調整設計了家庭成員的結構，包括重新設定姐妹的數量。以及她想起父親生前分享過的軍中同袍的故事，便以此作為靈感，創造融入新的虛構角色，藉此為整體故事增添更多層次與豐富性。
3.作為相對初入茅廬的導演，作品中都有資深演員，為什麼會選擇且如何面對此挑戰？
許承傑導演表示，當時陳淑芳阿姨那幾年間剛好接演了許多學生製作的短片，因此在接洽的過程中，算是很幸運的。在與淑芳阿姨接觸時，她在聽到這故事背景及導演在阿嬤告別式所播放的聲音檔案時，內心深受感動，就義氣答應以「吉祥數字」合作，展現對年輕創作者的支持。而與方文琳的合作契機，是當時她正好退出長期參與的鄉土劇，經過邀請及面談後也爽快答應參與演出。
許承傑回想當時能夠邀請到兩位資深演員加入，確實是非常幸運的事。在實際拍攝過程中，由於兩位演員在產業皆累積了演出豐富經驗，習慣了專業劇組較快速的拍攝節奏，這在初期或許會對於學生劇組的進度感受到拍攝進度的緩慢。不過隨著多次的溝通與拍攝調整，加上本片以全台語進行，演員們反而更專注於確認自身台詞的發音正確等細節，對拍攝節奏的適應也逐漸自然，這點也大大緩解了初期的差異感。
許承傑導演坦率表示，與專業演員溝通協調的能力，確實是他至今仍在學習與累積的課題。所幸淑芳阿姨與文琳姐兩人個性開朗、心胸寬大，合作過程中幾乎沒有產生摩擦，讓整體拍攝順利許多。
李念修導演深知自己之前的經歷多主要以剪輯師為主，作為新導演最缺乏的自信正是「導戲」。因此，如何跟演員溝通這件事對李念修導演來說是必修的課題。為此，在短片《講話沒有在聽》拍攝前，李念修導演主動和製片人要求，請一位表演指導來指導自己、協助自己排戲。並從每次排戲過程中，去跟表演指導討論，學習專業術語與溝通技巧，藉此有效的去跟演員溝通。她不僅是從表演指導身上學習如何和演員溝通，同樣在實際與演員合作中，亦練習如何用委婉、舒適與尊重的方式進行表演調整。這段經驗讓她逐漸找到與演員共創的方式，亦成為她導演養成中極為寶貴的一課。
許承傑導演補充在導戲的部分，以長片《孤味》為例，每位演員出身背景多元，包含電視劇、劇場與八點檔。為了因應差異，他會觀察個別演員對於訊息接收與劇本戲劇解讀的不同，調整指導方式，讓不同背景的演員能夠找到彼此的表演節奏。因此，要去觀察這些演員們習慣接收到的是什麼訊息，導演必須去學習這部分。
4.《童話故事下集》也是李念修導演自己的故事嗎？
李念修導演澄清影集《童話故事下集》不是來自自身經驗。她坦言，最初欲創作一部婚姻題材作品時，相當缺乏自信，內心常懷疑自己是否能寫出真實可信的故事，也擔心觀眾會質疑故事的寫實性。但她換個思維後表示：「寫鬼片也不一定真的要見過鬼嘛。」於是她下定決心，要做的就是把田調做足、做滿，也因此投入大量田野調查工作。
李念修導演也分享在創作之初，可以先設想故事的目標觀眾，一旦能準確打中目標觀眾的情感共鳴，作品的口碑便更容易自然擴散。以影集《童話故事下集》為例，她在創作初期便將目標觀眾設定為25至50歲的女性，因此在田調階段，她特別訪談這個年齡層的男女，了解他們對婚姻的看法與實際經歷。隨著調查的深入，這些訪談使她發現婚姻的複雜性與現實性往往缺乏影像呈現，這反而成為她堅持完成劇本的動力，透過影像說出那些尚未被充分表達的社會現象與情感經驗。
5.從自身的生命經驗去觸發短片的創作，做當初的第一部片到底是助力還是風險？對於正要起步做創作的人來說你們的建議是什麼？
李念修導演認為所有事情都是一體兩面的，在成長階段的過程中可能會遇到很痛苦與遺憾的時刻，但經過這個階段後，回頭看會發現有時候當下認為的壞事在未來都會成為自己的養分，它不一定會變成一個故事，也可能成自己的人格特質。回到創作是否要選用自己的故事作為出發點，她提醒創作者們在汲取過往生命經驗時，切記不要造成「二次傷害」，而是轉化為自我療癒與藝術呈現的契機。李念修導演補充，若沒有足夠的個人經歷，也可以透過田野調查拓展視野，讓故事找到更多可能。
「創作的時候是否要考慮觀眾？」李念修導演對此表示看創作者的目標為何，沒有正確的答案。對於她自己在製作劇情片時，是會去思考影片的目標觀眾，並期許這部作品可以達成的目標。李念修坦言，這樣的思維也許聽起來稍嫌功利，但她非常能理解並感同身受一部片背後所有工作人員，甚至投資方的努力與期待，希望每一位在這條創作路上付出心力的人，都能從中有所收穫，也是對於所有付出的團隊與投資者的一種責任。
許承傑導演則認為，「以自身經驗為出發點」之所以重要，關鍵在於創作者對事件與人物的理解深度。他強調，創作者需要思考的是：該如何將自己在經歷中所感受到的衝擊與感動，轉化為影像語言呈現出來。在他看來，影像是一種傳遞訊息的媒介——無論是短片還是長片，本質上都是一種與他人溝通的方式，尤其是一種與陌生人溝通的行動。因此，如何讓觀眾精準感受到角色的目標與衝擊，即便不認識你的人都能理解你的感受與思考是創作的核心挑戰。許承傑又以擔任過影展評審的角度出發與強調，創作者是否能夠清晰、明確地傳達角色的情感與目標，以及是否能夠讓觀眾準確接收到作品所要表達的訊息，是評估一部作品的重要標準之一。而這樣的能力並非一蹴可幾，而是需要透過長期的鍛鍊與創作經驗慢慢累積。
6. 聲音表演：最容易被忽略的細節
許承傑導演特別提醒「聲音」的重要性。以長片《孤味》讀本為例，和演員們提出「一家人要念起來像一家人」的想法，大家彼此講話的語速要有一個和諧的感覺，演員之間的語速必須協調，聲音上的「表演」能讓情感更自然流動。這在聲音上追求「表演」的這個想法，源自是枝裕和導演。許承傑在是枝裕和導演在先前一次機會的交流過程中，了解到大部分導演會忽略演員在聲音協調的重要性，而恰巧讀本是最適合去調整彼此聲音輕重與語速的最佳時機。因此從長片《孤味》之後，許承傑導演在之後的創作在進行讀本時，會特別關注演員之間聲音的互動，視其為表演中不可或缺的一環。他認為這種微妙的聲音處理，不僅能讓角色之間的關係更真實，也有助於整體敘事情感的呈現。
李念修導演則分享自己在寫劇本時，會根據角色的形象個性設定講話的速度，且透過和表演指導的交流討論後，利用聲音音調高低的調整，來強化角色立體感。以影集《童話故事下集》為例，她就運用「可調整的聲音表演」，讓姚愛寗所飾演的角色，在聲音的呈現上更貼近她心中對角色的想像與個性設定。透過細節上的調整，不僅加強了角色的立體感，也使觀眾在潛移默化中感受到角色的情緒層次，因此，李念修導演建議學員們，在創作時可以去思考什麼樣的聲音詮釋方式可以更符合心目中的角色。
7.
給創作者的提醒與勉勵
製作人黃薇夏最後總結：李念修導演與許承傑導演的經驗提醒我們，創作並非一條直線，而是一場不斷回望、修煉與成長的旅程。兩位導演都回到「創作的核心」——與觀眾對話。從自身故事到普世情感，從痛苦經驗到創作養分，唯有持續探索與分享，才能與觀眾建立真正的連結。
李念修導演強調，不論是來自自我還是田調，不論是悲傷還是喜劇，每一次的創作探索，都是為了更清楚地與觀眾建立連結。許承傑導演則提醒，創作者需要不斷思考，如何將自己的感受化為影像語言，並傳遞給陌生觀眾。唯有如此，創作才能突破個人經驗，走向更廣闊的普世情感。兩位導演的分享不僅帶領我們看見創作背後的情緒轉化與藝術取經，也提醒每一位創作者，不論是書寫自身或田野調查、不論是面對經驗的傷痛還是虛構的可能性，每一步探索都不會白費，那些都是為了更清楚地與觀眾「對話」。
這場講座不僅讓學員們看見創作者如何將生命經驗轉化為影像，更讓大家理解短片與長片之間的過渡需要多少磨練與堅持。無論是來自個人經驗的觸發，或是來自田野調查的真實感受，每一步探索都不會白費——它們最終都會成為創作者與觀眾之間對話的橋樑。
